flotsam books（フロットサムブックス）

「THE FLOW」は、前作「I Just Arrived in Paris」に続くユルゲン・テラーとルイ・ヴィトンのアーティスティック・ディレクター、ニコラ・ゲスキエールとの継続的なコラボレーションの第2弾です。
2014年10月1日、テラーはゲスキエールの2015年春夏コレクションの撮影を行い、テラーならではの悪意のないファッション写真とセーヌ川をボートで下っている時に撮影されたパリのイメージが流動的にミックスされた一冊に仕上がっています。
ポートレート、静物写真、風景写真のこの組み合わせは、ゲスキエールがコレクションの中で合成した折衷的な影響と素材を反映しています。

「Beauty knows no pain（美しさは痛みを知らない）」という言葉は、よくよく考えてみると、衝撃的で不穏な言葉である。フランス人アーティストのAnnette Messager （アネット・メサジュ）は70年代、雑誌の写真を集めた画期的なシリーズ「Les Tortures Volontiers（自発的拷問）」で、この考えを追求し始めました。
メサジェの写真では、不条理であると同時に憂慮すべきもので、胸は吸盤で持ち上げられ、太ももは電気でマッサージされ、皮膚は2枚目に剥がされているかのように角質が剥げているように見えます。それでも、視聴者の喉に笑いが刺さるのは、世界中の女性たちが、より標準に近いように、より「美しく」見えるために、実際にこれらの手順やその他の手順に実際に服従しているためです。

ニューメキシコ州タオスに15年間身を置いた Dennis Hopper（デニス・ホッパー）は、1980年代半ばにロサンゼルスに戻りました。
1987年、ホッパーはポラロイドカメラを使ってギャングの落書きを記録し始めました。彼は、落書きが覆い隠されたり、描き込まれたりしたときに現れる、絵の具が重なり合った抽象的な形に特に惹かれ、"アートは、ただ無視して通り過ぎるのではなく、額縁に入れることを選んだあらゆる場所にある "ということを思い起こさせたといいます。
本書で初めて紹介されるポラロイド写真は、その証拠です。ホッパーは自分を「生まれながらの抽象表現主義者であり、アクション・ペインターであり、選択によるデュシャンピアン・フィンガー・ポインター」であると確信していました。
ホッパーは、ポラロイド・フィルムの瞬間的で使い捨ての性質を、画家がキャンバスに絵を描くのと同じように、意図的で最終的な写真に変えたのです。

Harley Weir（ハーレー・ウィアー）による「Paintings」は、彼女の伝統的な写真活動から逸脱した形で制作されたイメージを紹介しています。
短いリズミカルなシークエンスとして提示される「Paintings」は、過去3年間一貫して制作されたサーフェス・スタディを通して、リズム、色彩、フォルムをリンクさせながら、メロディーのようにページを横切っていきます。
文脈や場所の制約にとらわれないことを意図したイメージは、写真の構図の入り口に存在しようと試みると同時に、ウィアーが「純粋な」イメージを探求する一端を形成しています。
ウィアーは、それぞれの写真を特定のルールと基準に従って制作することで、画像を作るという行為から自分自身を追い出し、即時的で耽美的なプロセスとしての写真に出会わせようとしています。
それにもかかわらず、これらのイメージは、ウィアーが実践してきた、表面や境界の越境、カメラと被写体との不穏な関係、写真のフレームの周囲に漂う選択と権力という不可避の制約といった、緊張感によって強調されています。
この意味で、これらのイメージは、ファッション、エディトリアル、ポートレート写真におけるウィアーの多様な作品からの解放であると同時に、その鏡であると考えることができます。

Joel Meyerowitz （ジョエル・マエロヴィッツ）は、セザンヌのアトリエとその内容が、いかに彼の絵画の平面性を高めているかを見事に証明しています。

数年前、マイヤーウィッツは、プロヴァンスに関する本の依頼を受けていたとき、プロヴァンスにあるセザンヌのアトリエを訪れました。そこで彼は、セザンヌの芸術について閃きました。
セザンヌはスタジオの壁を濃い灰色に塗り、自分で色を混ぜ合わせました。その結果アトリエにあるすべてのものが、背景の灰色に吸い込まれていくように見えました。
マイヤーウィッツはふと、セザンヌが小さな斑点のような筆跡をつけながら、遠近法の錯覚なしに、対象から背景へ、そしてまた対象へと移動していく様子を見ました。結局のところ、セザンヌは「平面性」の元祖だったのです。

Jason Lee（ジェイソン・リー）の「TX I CA 17」に収録された写真は、2017年の夏、当時彼が故郷としていたテキサス州から、以前住んでいたロサンゼルスまでドライブした際に撮影されたもので、2006年に旅先から写真を撮り始めた場所でもあります。

「TX I CA 17」は、リーが1回の外出で撮影した画像を初めて出版したものです。
テキサス州北部、ニューメキシコ州、アリゾナ州、カリフォルニア州の砂漠、そして最後にバスを待つ紳士が写っているDTLAと、地理的かつ（大まかな）年代順に並んでいます。主にハイウェイ287、40/66、62、10号線沿いとその周辺で撮影されました。

国際的写真家集団「マグナム・フォト」正会員を務めるカナダ人フォトグラファー、Christopher Anderson（クリストファー・アンダーソン）の写真集「COP」です。

クリストファー・アンダーソンがニューヨーク市警の写真を撮り始めたのは、9.11の後でした。
爆弾の爆発防止バリアが設置され、大型の銃を持った警官が至る所にいるように見えました。警備の強化は、ニューヨーカーに安全を感じさせるためでもあったが、何かが深く間違っていることをアンダーソンは思い知らされました。

そして、ウォール街の占拠、エリック・ガーナーの死、トランプの当選をきっかけに、アンダーソンは、より大きな権威に対する無意識の抗議の形として、再びニューヨークの路上で警官の写真を撮るようになりました。

イギリスの写真家 Jamie Hawkesworth（ジェイミー・ホークスワース）の最初の作品集「PRESTON BUS STATION」です。
プレストンにあるブルータリズム建築のバスステーションの取り壊し計画を知ったホークスワースは「1ヶ月間プレストンに戻り、毎日バスステーションで写真を撮る」ことを決意しました。
毎日毎日、ただその周りを歩き回り、誰かを見つけると、それが老人であろうと、変な髪型の子供であろうと、面白い靴を履いていようと、ある程度、自然体でいることを心がけてどんなものでも撮影するようにしていました。

イタリアにおけるグラフィックデザインの第一人者である Giancarlo Iliprandi（ジャンカルロ・イリプランディ）は、写真家や写真と仕事をしただけではありません。この一冊は、グラフィックデザイナー、アートディレクター、写真家としての彼の目を通して、この実験者でありデザイナーの世界を見せてくれます。
グラフィックデザインと写真との結びつきは、コミュニケーション・プロジェクトの創成期以来、不可欠な課題でした。
本書は、写真、出版、広告と常に対話しながら、ビジュアル・コミュニケーションのためのグラフィックを目指した彼のデザイン・アプローチを把握するのに役立つ、偉大なデザイナーによる一連の証言をまとめたものです。
イリプランディのプロフェッショナルなアーカイブから抜粋された膨大な図像資料によって充実したこの本からは、それぞれのプロジェクトが出会いであり、絶え間ない実験であり、再現不可能なビジョンであった、彼のページデザインの今なお関連する兆候が浮かび上がってきます。

テーマパーク「Italia in Miniatura」は、1970年に Ivo Rambaldi （イヴォ・ランバルディ）によって創設されました。

時を経て、この公園は成長し、現在では300以上の縮尺で再現された模型があり、半日で文化的な「イタリア旅行」ができるようになっています。観光的な面白さだけでなく、これらのアトラクションは、ウンベルト・エーコが「幻想の戦略」と呼んだあの壮大な事例と私たちを対面させてくれます。

Joan Fontcuberta（ジョアン・フォントクベルタ）と Matteo Guidi（マッテオ・グイディ）が率いるワーキンググループが、開園から半世紀を記念して、芸術的観点から「Italia in Miniatura」を再考することを決めたのは、ウンベルト・エーコへのオマージュであると同時に、この公園に魅了され、自身のプロジェクト「イン・スカラ」を急いでこの公園に捧げたルイジ・ギッリへのオマージュでもあります。