flotsam books（フロットサムブックス）

アートジュエリーは、装飾品としての伝統を離れ、社会的な指標としてのみ機能するのではなく、特定の技術、素材、主題、美学に制限されない新しい芸術形態に移行しています。
ジュエリーを媒介とするアーティストは、ファイン・アーティストと同等にみなされるべきなのです。
本書では、アートジュエリーの専門家として知られるインガー・ヴェストベリが、自身のコレクションから数多くの作品を取り上げ、独立した芸術形態としてのアートジュエリーに光を当てています。
私たちが生きている時代を反映し、何が美しいと考えられているのかに挑戦し、男女平等、過剰消費、持続可能性、人生のはかなさといったテーマを扱ったジュエリーを紹介しています。

Norma Tanega（ノーマ・タネガ）は、ミュージシャン、ソングライターとしての業績に加えて、著名なギャラリスト、教師、そしてカリフォルニア州クレアモントの活気に満ちた地元出身のクリエイティブシーンの中心人物でもあり、驚くほど独創的なビジュアル・アーティストでもありました。
本書では、タネガの大胆な色彩と身振り手振りを交えた即興的な絵画が、未公開の写真、イラスト、日記、その他の資料とともに初めて公開されます。
友人や共同制作者たちによる考察や回想が、視覚的なロードマップと一緒にコラージュされている『Try to Tell a Fish About Water』は、タネガの芸術キャリアを熟考し、創造性に没頭した人生を証明するものです。

「Bristningar（破裂）」は、Katinka Goldberg（カティンカ・ゴールドバーグ）の三部作の中編で、彼女は「近さと遠さの間の緊張を探求」し、自分自身の中と世界の中の両方を見つけようと試みている作品です。
この3部作は、自身と母親の関係を複雑かつ詩的な手法で考察した『Surfacing』（2011年）から始まりました。
「Bristningar」では、ハンス・ベルメールのように、身体を解体し再構築するコラージュを制作していますが、その目的は全く異なり、破壊や病理学的な目的ではなく、むしろ癒しを目的としています。
そしてまた、足し算と引き算、いや、引き算のために足すというプロセスでもあります。

「私は、消えることなく自分自身をどれだけ取り除くことができるのか、という問いに答えようとしています。近さが距離になる前に、どれだけ近づくことができるのか」という問いに答えようとしているのです。

本書は、パリのラファイエット・アンティシパシオンで開催された Margin Margiela（マルタン・マルジェラ）の初個展のために出版され、ベルギーのファッションデザイナー、マルタン・マルジェラ（1957年生）の40以上のアートワークを初めて紹介するものです。
インスタレーション、彫刻、コラージュ、絵画、映像などのイメージを再現し、マルタン・マルジェラが常にアーティストであったというテーゼを提唱しています。
1980年代後半からファッション界で国際的に知られるようになったマルジェラは、デザイナーとしてのキャリアを通じて、素材やランウェイショーを通じてファッションの慣習を意図的に覆してきました。
カタログは、Irma Boom（イルマ・ボーム）がマルジェラと密接に協力してデザインしたもので、ショーの「メイキング」として、作品の最終写真と制作途中の写真の両方を掲載しています。

オランダ人アーティスト、Mark Manders（マーク・マンダース）は、その謎めいた喚起力のある荒い粘土の彫刻やタブローで世界的に知られています。
このカタログでは、ニームのカレ・ダールでの展覧会のために、マンダースはオブジェの秘密の生命を探求しています。時とともに進化し、形を変え、新たな意味を持つオブジェはどのようにして生まれるのでしょうか。
家具、煙突の動物、食器、骨などの要素を組み合わせたインスタレーションを発表しています。ティーバッグ、鉛筆、人間の彫刻など、身近なものが再文脈化され、不気味で奇妙で超現実的なものになるのです。

1960年代から、クロアチアのアーティスト、Julije Knifer（ユリエ・クニファー: 1924-2004）は、ミーンダーと呼ばれる荒々しく蛇行した幾何学的な線を描いていました。
単調で不条理なこの作業と、進行していないことを毎日日記に書くことは、クニファーにとって「非常に特殊な形の自由」であり、それぞれの絵は全体ではなく、より大きな流れの一部だったのです。
今回の「The Serving Library Annual」では、このテーマを探求し、蛇行が連続性の約束と再発の混在する祝福の両方を提供することを目指します。
ジュリエ・ナイファー、アヌジャ・ディール、アブ・ロジャース、アンソニー・ヒューバーマン、タウバ・アウエルバッハ、エミリー・M・リード、ローレン・エルキンなどによる寄稿を含む、自由にさまようコンテンツが収録されています。

「Red Green Blue」とは、1963年に描かれたエルズワース・ケリーの作品のタイトルに近いものです。
「Red Blue Green,」は、ケリーのキャリアにおいて決定的な支点となった巨大な長方形の油絵作品で、人物と地面の間の緊張に関するケリーの関心を表しており、強いコントラストの緑の地面を背景に、正確に形作られバランスを保った赤と青の二つの形態を示しています。
厳しい制限の中で制作されたケリーは、同じように壮大で力強い作品を次々と生み出し、今日でも彼の作品の原動力となっている線、形、色に関する多くのアイデアを定義しました。

50年代後半から60年代半ばにかけて制作されたこれらの作品は、50年代の米国絵画界を席巻した抽象表現主義運動の厳しさを大胆に打ち破り、独自のスタイルを確立した、20世紀後半を代表する抽象画家の一人であるという評価を確立しています。
本書は、この「figure/ground 」シリーズを生み出した、現実と空想が複雑に絡み合う絵画作品21点、関連するドローイング、コラージュ、写真36点に加え、2002年に制作された、関連するテーマを再検討する新作絵画1点を収録しています。

ベルリンを拠点に活動する日本生まれのアーティスト、Leiko Ikemura （イケムラレイコ）の作品の基本原則のひとつは「作らず、起こせ」です。
身振り手振りを交えながら、生命力にあふれ、不穏で、時に幻想的な絵画は、人間の夢や苦悩、葛藤を表現しています。
彼女の作品には、西洋と東洋の文化圏の影響が混じり合っているように、自然と物事の世界が浸透しています。
イケムラレイコの作品に見られる2つの文化のユニークな融合は、現代を代表する日本人アーティストとして国際的な評価を得るための基盤となっているのです。

オランダのアーティスト、詩人、写真家 Gerard Petrus Fieret（ジェラール＝ペトリュス・フィエレ）の作品集「GERARD PETRUS FIERET」です。 Fieretは1960年代、70年代に、奇妙で、最も破壊的な作品を多く作成しています。すべてを写真に撮るというような強迫観念に取り憑かれ、女性、足、子供たち、ショーウィンドウ、ストリートシーンや自分自身など、特に好きな主題に焦点を当て撮り続けました。
Fieretの作品は常に官能的であり、また、ネガに傷をつけたり、ソラリゼーション、二重露光など実験的な手法を用いて写真の可能性を押し広げていきました。
この作品集のページは非常に薄い紙を使用し、Fieretの作品の現実の歪みや流動性といった部分を反映しているようで、写真と詩的な対話を表しているようです。

「Subway Art」以来、グラフィティ・ヴァンダリズムのアンダーグラウンドの世界にこれほど親密にアクセスできる写真集はありません。「Bark at the Moon」は、Blake Kunin（ブレイク・クーニン）がグラフィティ界で最も悪名高いナイトクローラーたちを7年間追い続けたアクションフィルム写真集です。
ADEK、BK、CH、EASY、GOOG、GUSE、HOUND、LEWY、MALVO、MERCH、MQ、その他多数。

本書は、ストリート・ヴァンダリズム、ストリート・ファイト、モビング、ブラックブックの道具類などの見事なアクション・ショットを用いたグラフィティの秘密文化の写真記録であり、まさにストリートの残虐性の獣道化であると言えます。クーニンのフィルムショット選択、暗室での現像、綿密な本のレイアウトは、ページをめくるたびにエスカレートする迫力を保証します。