flotsam books（フロットサムブックス）

Annelies Strba （アナリス・ストルバ）は、聖マリアを神の母としてではなく、自分の性を代表する理想的な存在として描いています。

このフォト・アーティストが描く女性像は、かつての宗教的な意図を抽象的な領域へと昇華させています。
デジタル技術を排除し、狂言回しのような色彩で、感情を投影するための舞台を整えたストルバは、超越的なものを排除し、母子関係の共感的なアクセントに集中しながら、マドンナを受け入れています。

ストルバは聖母を選ぶことで、痛みや喪失感を抱えた女性であると同時に、純粋さや慈愛に満ちた女性であることを表現しています。このような特徴は、もともと構図や表情に備わっていたものですが、作家はカラーフィルターや輪郭の除去によってそれらを曖昧にし、消滅していく人物は自らの光に身を任せています。

Amy Simon （エイミー・サイモン）は、ドローイングや写真、最近では大きな壁紙の制作など、さまざまな手法で作品を発表しています。
今回の写真は、直感的に制作されました。
ある暑い日の早朝、サイモンはあるアパートに入り、その部屋には建築物以上に自分にとって、また自分に関するものがあると感じた彼女は、そのインテリアを写真に収めました。中には内側から外側を撮影したものもあります。部屋は、空間や時間から切り離された、独自の世界となりました。

本書では、これらの写真のほかに、一連の新しいドローイングや、ヴェネチア・ビエンナーレに出展した壁紙も紹介されています。ダニエル・バーンバウムとエイミー・ベイカー・サンドバックによるエッセイは、彼女の作品の背景にあるものを照らし出しています。

日本のアーティスト Ueno Kosei （上野恒星）の作品集「When we saw it being there」です。
上野が過去に制作した作品や描き下ろしの新作、インスピレーションのもとになった自身が撮影した写真などが収録されています。

Joe Roberts（ジョー・ロバーツ）のペインティング、ドローイング、ミクストメディア作品は、宇宙的な意味でのトランスポート（伝達）です。
そこには、幼少期の象徴であるコミックの残骸や漫画のキャラクターが、カウンターカルチャーの参照点（占いボード、SFペーパーバック、UFO）や個人的なもの（日記的スケッチ、告白的旅行報告）の真剣な閃光とともに心地よく存在しています。
2015年以来初めて復刻された「LSD Worldpeace」は、ロバーツの初期のキャリアにおける並外れた創造性とスクラップな手法を記録しており、コラージュ、アクションフィギュア、ジオラマに加え、彼が非常に有名になったペインティングも収録されています。
Myla DalBesio と Matthew Ronay による紹介文を含む本書は、無限のビジョンに導かれ、自由にモードを行き来する想像力豊かなアーティストの産物です。

この本は、アテネのキクラデス博物館でのMarlene Dumas（マルレーネ・デュマス）の展覧会のための、同博物館のコレクションと対話するためのビジュアルスケッチブックです。
展覧会は延期されましたが、この出版はすでにデュマスのこの組み合わせに対する熱意と愛情から生まれました。
紀元前3000年から2000年にかけての謎めいたキクラデス諸島の古美術品は、デュマスの現代作品と同じように、時代を超えた言葉で私たちに語りかけてくるのです。

オランダのアーティスト、Kees Visser（キース・ヴィッセル）は、今日の幾何学的・概念的アートの最も重要な代表者の一人です。
彼の作品は、色と形の探求が特徴で、モンドリアン、デ・ステイル、マティスから影響を受けています。
彼の長いキャリアは、1970年代から1980年代にかけてのアイスランド・アートの進化と密接に関係しており、ヴィッセルはフルクサス、ミニマリズム、コンセプチュアル・アートに強く注目したコスモポリタンなアートシーンの一翼を担っていました。
ヴィッセルは、形と色の研究において、これらの影響を組み合わせています。
本書のデザインは Irma Boom（イルマ・ボーム）

オランダのデザイナーで版画家のHendrik Nicolaas Werkman（ヘンドリク＝ニコラス・ウェルクマン）は、革新的な印刷技術と前衛的なタイポグラフィーでよく知られています。
ナチス占領下のオランダで、ユダヤ系反体制詩人や作家が作った地下出版物「De Blauwe Schuitt」の発行人として、1945年にドイツの秘密警察に投獄され、解放のわずか3日前に裁判を受けることなく処刑されました。

本書は、ウェルクマンの傑出したグラフィック作品とその魅力的な生涯に焦点を当てた書籍です。
ウェルクマンは1908年に自身の版画工房を設立しました。1923年に出版された雑誌『The Next Call』には、タイポグラフィーをはじめとする版画の実験や、デザイナー自身のダダイ主義の詩やテキストが掲載されています。
また、ワークマンは「hot printing」と呼ばれる版画技法を開発し、印刷機を使わずに、拾った素材を用いて直接紙の上に繰り返しデザイン要素を加える手法をとりました。
彼の作品の多くは死刑執行時に破棄されましたが、残された素晴らしい作品は、遊び心にあふれ、大胆で実験的、そして揺るぎない楽観的なグラフィックビジョンを持った破天荒なデザイナー、タイポグラファの人生を物語っています。

Mel Bochner（メル・ボックナー）は、1960年代から70年代にかけてニューヨークで展開されたコンセプチュアル・アートの中心人物の一人として知られています。
ボックナーは、1960年から70年にかけてのニューヨークにおけるコンセプチュアル・アートの発展を牽引した一人であり、視覚における言語の使用について先駆的に紹介し、視覚と世界との関わりを支える暗黙のコードに私たちがより注意深くなれるよう、互いの関係を探っています。

本書は、30点以上の未発表の絵画作品を掲載し、ジェレミー・シグラーによるエッセイを添えて、ボックナーが長年取り組んできた言語と絵画の関係について、新たな視点を提供する出版物です。
シグラーは、ボックナーのイメージが、いかに内側の物質性への回帰を痛烈に示しているかを指摘し、彼の作品群の思いがけない絵画的なルーツを明らかにしています。

Richard Serra（リチャード・セラ）の彫刻は、数々の展覧会で取り上げられ、国際的に高い評価を受けていますが、セラの知的で厳格な大型彫刻作品に驚嘆した人でも、同様に興味深いドローイングを知らないかもしれません。

本書は、セラのドローイング作品を初めて一冊にまとめ、彼のメディアに対する探求を、彫刻のパイオニアとしての活動から独立したものとして、またそれと関連した活動として考察しています。

セラは当初、紙にインクや木炭、リトグラフ・クレヨンなどを用いて、彫刻と鑑賞者の間の形や知覚の関係を探るための手段としてドローイングを制作していました。
やがて、彼のドローイングは、コンセプト、素材、スケールにおいて大きな変化を遂げ、完全に実現された自律的な作品となりました。
黒いペイントスティックで描かれた巨大なインスタレーション・ドローイングは、既存の空間を破壊し、補完するようにデザインされ、やがて部屋全体を占めるようになりました。
1980年代後半、セラはレイヤーを重ねることで重量と重力の緊張感を探求し、最近の作品では、ジェスチャーと紙への顔料の転写の間にメッシュスクリーンを用いて表面効果を試みています。

2018年、JRは伝説的なフォトトラックをサンフランシスコに持ち込みました。
1,000人以上の市民が彼のカメラに向かってポーズをとり、それぞれのストーリーを語り、JRは彼らのポートレートを驚異的な写真の壁画にまとめました。
それらはサンフランシスコ近代美術館に設置される予定であり、彼の画期的で魅力的なアートプロジェクトの最新作です。
本書では、すべてのポートレートと厳選されたストーリーに加え、舞台裏の写真、ニール・ベネズエラによる序文、JRによる紹介文を収録しています。