flotsam books（フロットサムブックス）

2020年から2022年までの2年間、パリで撮影された「Paris Youth」のポートレートは、友人、新しい友人、ミューズ、スケーター、アーティスト、デザイナー、モデルなど、さまざまな顔ぶれで構成されています。
パリのユース・カルチャーを探求するこの作品は、パリの様々な地区で育った、あるいはこの地区を故郷とし、このダイナミックな都市の文化史の新たな章に貢献する、最新世代の子供たちを見つめるものです。

「ダン・ボールトンのパリの若者の写真を見ると、意志の強さと決意を感じる。これらの写真は、ポール・ストランドのフランス人ポートレートの中でしか見たことのないポジティブさと回復力を捉えている。最も有名なのは、若いフランス人のポートレート（"Jeune Garcon, Charente, 1951"）である。ストランドと同様、フランスに住む外国人であるボールトンは、アメリカやイギリスといったイギリス系の国にはあまりにしばしば見られない、若者の力強さと活力を見抜き、描写することができる。これらの写真は、この感情的な力、弱さ、誇り、強さの組み合わせを感動的にとらえている。ストランドの肖像画のように、ボールトンの写真は暗い時代における若者の勇敢な楽観主義を垣間見せてくれる」

Nick Waplington（ニック・ワプリントン）

「Sur Face」では、Martin d'Orgeval （マルタン・ドルジバル）が日常的な表面の叙情的なディテール、私たちが見逃してしまいそうな小さな視覚的奇跡をとらえています。

道路に飛び散った絵の具、汚れにまみれたフロントガラス、静まり返った雪の山、強い光に照らされた繊細な折り紙のフォルム、ドルジバルの焦点は、エリ・デ・ルッカの言葉を借りれば、平凡な中にある非凡さを明らかにする「ヴィジョンのコレクション」を忍耐強く積み重ねることにあります。
デ・ルッカはさらに続けます。
「しかし、彼はどこにそのようなものを見ているのだろうか？私は彼よりも長い間この世界を歩き回ってきたが、このようなものを見つけたことはない。これらの写真は、物質が自分自身をさらけ出して、こう言っているのだ： 私はこれです。しかし、それは彼にだけ、彼の目の玉だけに言われている。」

Ralph Gibson（ラルフ・ギブソン）編集によるポラロイドカメラの名機「SX-70」によって撮影された作品を編集した作品集。Charles Eames, Helmut Newton, Lucas Samaras, Larry Clark等多くの有名アーティストの作品も掲載されています。

「Early Recordings」は、コンセプチュアルなドイツ人アーティスト、Marco Breuer （マルコ・ブロイヤー）の作品を初めて包括的に紹介します。
大胆かつ実験的なブロイヤーは、印画紙から抽象的で視覚的に説得力のあるイメージを抽出するために、広範かつ進化し続ける様々なプロセスを用いています。

印画紙の上に燃える炭を置いたり、印画紙に何度も切り込みを入れたり、穴が開くまで乳剤をやすりで削ったりと、ブロイヤーの作品は、カメラのないイメージに対する通常の期待を裏切ります。その結果、絶妙なゴージャスさとミニマリズムが生まれ、本書では、スライス、擦り傷、色調の変化にも注意を払いながら、それらを再現している。イメージはアーティストの行為の「記録」として機能し、衝撃の痕跡と消費されたエネルギーだけが残ります。
ヴィンス・アレッティが「ミッドセンチュリーのモダニスト・アヴァンギャルドの知性と機知、そして写真の最初期の革新者たちの何でもありの大胆さ」と評するように、ブロイヤーの作品は高い評価を得ています。

「THE FLOW」は、前作「I Just Arrived in Paris」に続くユルゲン・テラーとルイ・ヴィトンのアーティスティック・ディレクター、ニコラ・ゲスキエールとの継続的なコラボレーションの第2弾です。
2014年10月1日、テラーはゲスキエールの2015年春夏コレクションの撮影を行い、テラーならではの悪意のないファッション写真とセーヌ川をボートで下っている時に撮影されたパリのイメージが流動的にミックスされた一冊に仕上がっています。
ポートレート、静物写真、風景写真のこの組み合わせは、ゲスキエールがコレクションの中で合成した折衷的な影響と素材を反映しています。

「Beauty knows no pain（美しさは痛みを知らない）」という言葉は、よくよく考えてみると、衝撃的で不穏な言葉である。フランス人アーティストのAnnette Messager （アネット・メサジュ）は70年代、雑誌の写真を集めた画期的なシリーズ「Les Tortures Volontiers（自発的拷問）」で、この考えを追求し始めました。
メサジェの写真では、不条理であると同時に憂慮すべきもので、胸は吸盤で持ち上げられ、太ももは電気でマッサージされ、皮膚は2枚目に剥がされているかのように角質が剥げているように見えます。それでも、視聴者の喉に笑いが刺さるのは、世界中の女性たちが、より標準に近いように、より「美しく」見えるために、実際にこれらの手順やその他の手順に実際に服従しているためです。

ニューメキシコ州タオスに15年間身を置いた Dennis Hopper（デニス・ホッパー）は、1980年代半ばにロサンゼルスに戻りました。
1987年、ホッパーはポラロイドカメラを使ってギャングの落書きを記録し始めました。彼は、落書きが覆い隠されたり、描き込まれたりしたときに現れる、絵の具が重なり合った抽象的な形に特に惹かれ、"アートは、ただ無視して通り過ぎるのではなく、額縁に入れることを選んだあらゆる場所にある "ということを思い起こさせたといいます。
本書で初めて紹介されるポラロイド写真は、その証拠です。ホッパーは自分を「生まれながらの抽象表現主義者であり、アクション・ペインターであり、選択によるデュシャンピアン・フィンガー・ポインター」であると確信していました。
ホッパーは、ポラロイド・フィルムの瞬間的で使い捨ての性質を、画家がキャンバスに絵を描くのと同じように、意図的で最終的な写真に変えたのです。

Harley Weir（ハーレー・ウィアー）による「Paintings」は、彼女の伝統的な写真活動から逸脱した形で制作されたイメージを紹介しています。
短いリズミカルなシークエンスとして提示される「Paintings」は、過去3年間一貫して制作されたサーフェス・スタディを通して、リズム、色彩、フォルムをリンクさせながら、メロディーのようにページを横切っていきます。
文脈や場所の制約にとらわれないことを意図したイメージは、写真の構図の入り口に存在しようと試みると同時に、ウィアーが「純粋な」イメージを探求する一端を形成しています。
ウィアーは、それぞれの写真を特定のルールと基準に従って制作することで、画像を作るという行為から自分自身を追い出し、即時的で耽美的なプロセスとしての写真に出会わせようとしています。
それにもかかわらず、これらのイメージは、ウィアーが実践してきた、表面や境界の越境、カメラと被写体との不穏な関係、写真のフレームの周囲に漂う選択と権力という不可避の制約といった、緊張感によって強調されています。
この意味で、これらのイメージは、ファッション、エディトリアル、ポートレート写真におけるウィアーの多様な作品からの解放であると同時に、その鏡であると考えることができます。

Joel Meyerowitz （ジョエル・マエロヴィッツ）は、セザンヌのアトリエとその内容が、いかに彼の絵画の平面性を高めているかを見事に証明しています。

数年前、マイヤーウィッツは、プロヴァンスに関する本の依頼を受けていたとき、プロヴァンスにあるセザンヌのアトリエを訪れました。そこで彼は、セザンヌの芸術について閃きました。
セザンヌはスタジオの壁を濃い灰色に塗り、自分で色を混ぜ合わせました。その結果アトリエにあるすべてのものが、背景の灰色に吸い込まれていくように見えました。
マイヤーウィッツはふと、セザンヌが小さな斑点のような筆跡をつけながら、遠近法の錯覚なしに、対象から背景へ、そしてまた対象へと移動していく様子を見ました。結局のところ、セザンヌは「平面性」の元祖だったのです。

Jason Lee（ジェイソン・リー）の「TX I CA 17」に収録された写真は、2017年の夏、当時彼が故郷としていたテキサス州から、以前住んでいたロサンゼルスまでドライブした際に撮影されたもので、2006年に旅先から写真を撮り始めた場所でもあります。

「TX I CA 17」は、リーが1回の外出で撮影した画像を初めて出版したものです。
テキサス州北部、ニューメキシコ州、アリゾナ州、カリフォルニア州の砂漠、そして最後にバスを待つ紳士が写っているDTLAと、地理的かつ（大まかな）年代順に並んでいます。主にハイウェイ287、40/66、62、10号線沿いとその周辺で撮影されました。