オランダ系パレスチナ人写真家 Sakir Khader （サキル・カーデル／マグナム・フォト）の『Dying to Exist』は、ジェニン難民キャンプでの生活を印象深く親密に描写しています。 印象的な写真と非常に個人的な物語を通して、カーデルは占領下で暮らす世代の回復力、悲しみ、反抗を捉えています。この力強い作品は、殉教者、戦闘員、生存者、そして取り残された人々の物語を織り交ぜながら、パレスチナ人の日々の闘いに光を当てています。 アイデンティティ、抵抗、そして紛争の人的コストについての心を痛める探求です。 ラナ・スーフェがデザインし、プーリア・コジャステパイが編集したこの本には、約 500 枚の写真、被写体からの手書きの手紙、録音されたテキスト会話、序文、写真家によるあとがきが含まれています。

「ONSEN」は日本の写真家・山谷佑介（Yusuke Yamatani）が約15年前から野湯（のゆ、やとう）と呼ばれる自然の中で自噴する未整備の温泉巡りを基に続けているシリーズです。野湯一帯が作り出すこの世とあの世が交差するような剥き出しの風景に心を奪われた山谷は、友人や家族、時にはSNSやZINEで参加者を募りながら、温泉巡りを続けてきました。温泉文化の歴史は古く、『日本書紀』や『古事記』の中で、男女が一緒に飲食し、歌を交わして親睦を深める場として記述されています。 前作『ONSEN I』は、野湯周辺の自然が作り出す圧倒的な造形美や、そこに集う同行者たちの姿を切り取った写真でまとめられました。 本書『ONSEN MMXXIV』では、荒涼とした風景、山、地表、硫黄、噴煙、そこに佇む人や肌に加え、道中の車窓や食事、そして同行者が撮影した写真も織り交ぜながら、13万文字にも及ぶ旅の中で交わされた会話のテキストが繰り返し挿入されています。 山谷は自然の造形美だけではなく、SNSを使い偶発的に集まった見知らぬもの同士のプリミティブなコミュニケーションを通して、いつの時代も変わらない人間の営みに焦点を当てています。野湯探しという探検は、時代や場所を超えた記憶、すなわち《それはかつてあった》風景を探る試みなのです。

Larry Clark（ラリー・クラーク）は1962年、16歳のとき、友人たちと Valo（ドラッグストアで販売されている大量のアンフェタミンを含む鼻用吸入器）の撮影を始めました。 クラークは2年間のベトナム戦争を終え、20歳で故郷のタルサに戻り、ここで彼はアンフェタミンからヘロインへと移行し、カメラを自分自身と社交界に向けることで従来のドキュメンタリー写真を覆し、アメリカンドリームの崩壊を記録した画期的な生々しく親密な写真シリーズを制作しました。 クラークの非常に親密な写真は、それまで知られていなかった郊外に住むアメリカのティーンエイジャーの生活を暴露しました。 彼らは、違法で無法な生活を送り、寄宿舎にたむろし、麻薬を手に入れるために強盗や武装強盗を犯しました。これらの写真のうちの少数が、現代写真の礎となる「TULSA」を形成しました。 50年経った今、ラリー・クラークはヴィンテージプリントのアーカイブに戻り、1962年から1973年までの作品の力強いビジョンを作り上げ、本書「Return」を制作しました。 これは、オピオイド中毒がかつてないほど蔓延している現在でも、これまで以上に衝撃的な、細心の注意を払って印刷された特大のモノグラフです。

アメリカの写真家 Bryan Schutmaat（ブライアン・ショウマート）の写真集「Sons of the Living」です。 「Sons of the Living は、アメリカの砂漠地帯のハイウェイ沿いの土地と人々に関する写真集です。 アメリカ西部の乾燥した広大な土地で 10 年にわたって撮影されたこの作品は、人間の忍耐力を描いています。Schutmaat は、不確実性と不安の新しい時代に対応する「open road」の最新の見解を提供しています。環境の衰退、経済的喪失、社会的無視を背景に、「Sons of the Living」は、今後の道のりの困難に注目し、それに耐える希望を探します。

1990年代ニューヨークのファッションシーンから登場したSusan Cianciolo （スーザン・チャンチオロ）は、自身のブランド "RUN" でカルト的なファンを獲得しました。 2000年代初頭にファッション界を去って以来、チャンチオロは記憶と精神を掘り下げたアート作品で有名になりました。テキスタイル、絵画、描画、工芸の言語を自然界と融合させ、彼女は謙虚さと巨大さの両方を同時に呼び起こします。 このアーティストブックでチャンチオロは、彼女と家族にとって特に身近な、ラブウェル湖周辺の木々や土地、その他の緑豊かな地域への愛情を記録しています。

ベルギーの美術館 MoMu で開催された「Masquerade, Make-up & Ensor」 は、光、色、アート、ファッション、メイクアップが融合したマルチメディア展覧会で、ファッションの画家、つまりメイクアップアーティストとヘアアーティストを称えるものです。 本ZINEはこの展覧会の主役の 1人である、ベルギーと世界のファッション界で名を馳せているメイクアップ アーティストのInge Grognard（インゲ・グロニャール）と Martin Margiela（マルタン・マルジェラ）が同名のメゾンのために作成したメイクアップ ルック (1988年から 2008年) のセレクションが掲載された 24 ページの小冊子です。 片面にはマルジェラによるアニア・マルチェンコの肖像画の絵が描かれ、もう片面にはグロニャールが使用した道具とマルジェラのコレクションに関する短い文章が書かれています。

「9.11直前と直後のニューヨーク。ダウンタウンのヒップスター、ミュージシャン、スケートボーダー、アーティスト、破壊者。街は活気に満ちていました。この本は、すべてが変わる直前の私たちのニューヨークを記録したものです。」 - Alain Levitt（アラン・レヴィット） 2000年代前半から中頃のNYのダウンタウンのパーティーシーンを記録したことで知られる写真家アラン・レヴィットは、アンダーグラウンドのアーティスト、ミュージシャン、俳優、社交界の名士の写真で有名になりました。 Fucking Awesome Books から出版された Alain Levitt: NYC 2000-2005 は、アランの視点からnyのダウンタウンの数年間を紹介しています。

「CARTELGRAM」は、ソーシャルメディアに侵入し、プラットフォームを恐怖、コミュニケーション、リクルートメントのツールに変えていくメキシコの麻薬カルテルの世界を詳しく調べます。 この魅力的な本は、麻薬組織が（残酷な）暴力、戦略的コミュニケーション、文化的影響力を利用してデジタルプレゼンスを拡大し、当局を弱体化させ、新しい信者を誘い込む方法を明らかにし、私たちの日常的なオンラインインタラクションの背後に潜む犯罪の暗い底流を明らかにします。

ニューヨークの活気ある街で生まれ育ったNeal Santos（ニール・サントス）は、アパレルの世界では反抗的な精神を常に持ち続けてきました。彼の旅は、90年代半ばのアンダーグラウンドヒップホップの鼓動の中で影響力のある中心地であった象徴的な Fat Beats NYC のカウンターの後ろで、90年代に始まりました。熱心なスケーターであった彼は、後に有名ブランド Supreme で急成長中のスケートウェアシーンの最前線に立つことになり、ブランドの時代にはスタッフとして働いていました。 この本は、高級化の波が始まる直前、ドミニカ人、リトルイタリー、チャイナタウンの住民が頻繁に訪れていた珍しい中心地を捉えています。 「私は彼らに、自分たちを芸術として見てもらいたかったのです。なぜなら、私は彼らを芸術として見ているからです。」 「この本の写真は、今はもう存在しない時間、場所、コミュニティのものです。計画は立てていません。捉えられた瞬間は意図的ではなく、ポーズもとっていません。私はその瞬間に与えられたものを手に入れ、それを受け入れました。 時間はゆっくりと過ぎ、私たちは友人や愛する人を失います。いつか、私の番が来るでしょう。この本の理由は簡単です。ニューヨークの文化の一部（ダウンタウンだけではありません）を保存し、両手を広げて私を受け入れ、愛を示してくれたこのコミュニティに敬意を表すためです。彼らは私の仲間であり、これは私の芸術です。どうぞお楽しみください。」Neal Santos

Bertien van Manen（ベルティアン・ファン・マネン）は、1970年代に、家族の再統合という背景でオランダにやってきた女性労働移民と、その妻たちを撮影しました。 彼女は、トルコ、モロッコ、チュニジア、スペイン、ユーゴスラビア、イタリアの女性たちが、家庭、職場、パーティー、余暇活動の中で、異文化の中で生き抜くために奮闘する様子を撮影しました。 その結果、1979年に初の作品集『Vrouwen te Gast』が出版されました。 2024年、ベルティアンは自身の写真と文章を再検討し、初の作品をより現代的に編集しました。 『I am the only woman there』では、自身のアーカイブから新たに発見した写真と、自身とキム・ノッパーズによる新たな文章で本をアップデートしました。

Gregory Halpern（グレゴリー・ハルパーン）は20年以上にわたり、故郷であるニューヨーク州バッファローとその周辺で写真を撮り続け、最新のモノグラフを構成する一連の写真を丹念に作り上げてきました。 「King, Queen, Knave」は、矛盾に満ちた都市の独特なビジョンであり、産業衰退の一般的な物語に反抗し、シュールレアリズムに近い謎めいた現実を受け入れています。 ハルパーンの魅惑的なシーケンスは、孤立した建物、雪の吹きだまり、そして日焼けした日常の超越的な風景の中やその間に、独特で予測不可能なキャラクターが登場する舞台として展開します。 これらのイメージは、季節の特殊性の中に被写体を配置することが多く、歴史的なプロジェクトと個々の輝きの瞬間の即時性とのバランスをとっています。 逆転と上昇というテーマを取り上げながら、ハルパーンは生まれ故郷と現代アメリカ全体の複雑さに立ち向かい、美しさと醜さ、救済と絶望が絡み合っているのを目にします。この叙情的な新作は、馴染み深くもあり、また未知の場所の果てしない複雑さを証明しています。

Batia Suter（バティア・スーター）の作品は、発見されたイメージを新しい文脈の中に直感的に配置することで、意外な反応や意味のある可能性を引き起こします。 2004年から2007年にかけて制作された「Parallel Encyclopedia」は、他の本から引用された多数のイメージを精密に構成したものです。 アムステルダムを拠点とするスイス人アーティストの活動の根底にあるテーマは、古いイメージの「アイコン化」と「免疫性」、そしてそれらが新たな連想的価値を持つようになる状況にあります。 本書は、2007年に出版された、人類の歴史、科学、哲学、芸術、文化を網羅したスーターの膨大な書籍の再版です。

スペインの写真家 Pia Riverola（ピア・リベロラ）の２冊目の写真集「Dias」です。 この作品は、場所と日々の色調のコラージュです。リベロラは、その感覚的で朧げなイメージで知られており、『Dias』では、動き、ぼかし、まだら模様の光を使って、長らく忘れられていた記憶の中にあるような感覚的かつ共感覚的な体験を作り出しています。 雰囲気に満ちた彼女の夢のような写真は、例えば、ネオンに照らされた雨の降る日本の夜、地中海の風に揺れるスペインのテーブルクロス、ローマの庭園で傘の下に静かに降るイタリアの小雨など距離感や旅の感覚を呼び起こします。 独学で写真を学んだリベロラの作品には、気軽さと自然さが感じられます。それはまるで、ふと耳にした会話や、深夜の友人との電話のように、親密でほのめかされたものです。 『Dias』は、日々の労苦や苦悩の層を剥がし、世界を新たに見るような清らかで深い感覚をもたらします。その儚い喚起が目の前で消え去る様子は、喜びに満ちつつもどこか哀愁を感じさせます。 リベロラはこの作品で、場所の本質を捉えることへの情熱を探求し続け、読者を彼女の旅の詩的な美しさに没入させるよう誘います。

Sian Davey（シアン・デイヴィー）による3冊目の作品集「THE GARDEN」です。 この作品は、息子ルークの「裏庭を野生の花とミツバチでいっぱいにし、庭の壁越しに出会う人々を招き入れて、写真を撮ろう」という提案から始まりました。 荒れた裏庭を整備し、地域の人々を招き入れ、共に庭を育てながら写真を撮影しました。この庭は、人間の心やコミュニティの象徴となり、庭に入るすべての人々がその一部となりました。

死後初の本格的な回顧展である「Ghost and Spirit」は、1970 年代以降の芸術の発展にマイク ケリーが与えた 40 年にわたる影響力の大きなキャリアの重要性を強調しています。 Mike Kelley（マイク・ケリー / 1954–2012)）は、パフォーマンス、インスタレーション、ドローイング、ペインティング、ビデオ、写真、サウンド、テキスト、彫刻を網羅し、組み合わせた無礼で先見の明のある実践により、現代で最も影響力のあるアーティストの 1 人として広く知られています。 「Ghost and Spirit」は、初期のパフォーマンスから象徴的なぬいぐるみの作品、そして学校や家族の経験に付きまとう歴史、記憶、トラウマの探求まで、彼の濃密で色彩豊かな作品群を取り上げています。 メディアイメージの世界の中でどのように存在するか、芸術と芸術家の役割、具現化について先見の明のある問いを投げかけながら、ケリーはさまざまなペルソナと媒体を採用し、意図的に自身の地位を低下させ、ポストモダンの資本主義アメリカにおける白人異性愛者の男性としての自身の立場から、アイデンティティ、階級、制度的権威に関する想定に挑戦しました。

『Ishimoto. Lines and bodies』では、シカゴのニューバウハウスの形式的なアプローチと日本の美学の真髄を組み合わせた石元泰博（1921-2012）の象徴的なシリーズが紹介されています。 このモノグラフにより、生前ほとんど出版されなかった写真家の作品を再発見することができます。 石元は、そのビジョンの独自性と、時には抽象化にまで至ったモチーフの作品によって、アート界の重要人物となり、1960年代の日本の写真界を揺るがしました。 同業者から広くアウトサイダーと見なされていた石元は、当時の日本の写真界に形式主義的な視点をもたらしました。 街の風景、ハロウィンの仮装をした子供たちのポートレート、看板、労働者階級の地区の建物のファサードなど、彼の写真は、彼のフレーミングの熟練度と、質感やモチーフに対する繊細な認識を証明しています。

ラフシモンズのヴィジュアルイメージ、グラフィックワークを数多く手掛け Raf Simonsの古くからの友人でもあるPeter de Potter（ピーター・デ・ポッター）の作品集「ANGELIC STARTS 2010」です。 「Angelic Starts」は 2010 年に作成され、2011年に Tumblr にデジタルのみの作品としてオンラインに投稿されました。この作品の起源は、アーティストがまとめた virtues（美徳）のリストであり、アイデアは、それぞれの美徳を文字通り体と顔の画像で伝えることでした。 このシリーズは、アーティストの次の15年間の方向性も示しています。つまり、肉体、奇妙にロマンチック、そして自己の甘美な難問への継続的な旅です。

1924年に青森で生まれた小島一郎は、卓越した構図力と覆い焼き等を駆使した暗室技術で日本の東北地方の厳しい環境に生きる人々の営みを描きました。壮大な空のもと、眼前に広がる大地の光景に小島はカメラを手に向き合います。 写真家としての活動期間は僅か１０年ほど。３９歳で急逝した小島が残したドラマティックな世界は、今を生きる私たちの心にいまだ響き続けます。roshin booksでは、そんな小島の作品の中に見つけた「孤高」という側面に注目し、青森県立美術館に保存されている未発表作品を１から見直した上で、新たにSolitude Standingとして編みました。 また、別冊として「東京の夕日」を制作しました。小島の上京生活で疲弊した心を写すかの如く、都市に沈む夕日に向けられた切なさやもどかしさは見るものの心にダイレクトに訴えかけてきます。津軽のイメージから離れようとしても離れられないジレンマ、どこまでも自分につきまとう東北のイメージから小島は逃げることができませんでした。 小島がカメラのシャッターを押した東京の夕日のその向こうには、津軽の雪がしんしんと降り続ける静寂の光景が見えていたのかもしれません。 既に小島を知る人にも、これから知る人にも新しい小島の軌跡を知ることができる１冊です。（出版社HPより）

『FOLIO』は、Viviane Sassen（ヴィヴィアン・サッセン）の視覚言語の起源を示す写真集です。 この本に掲載されているすべてのイメージは、彼女が写真家としてのキャリアを始めた1990年代半ばに撮影されたものです。 自発的で個人的なアプローチで、サッセンは自分の身の回りや環境を好みの被写体としています。これらのイメージは、彼女が早くから培った演出、フレーミング、視点の好みを反映しています。 このようなスタイルのツールにより、彼女は私たちが身近だと思っているすべてのものの核にある奇妙で不穏な側面を具現化し続けることができます。 彼女は、写真と同じように、夢と現実を織り交ぜて、文章の中で自分自身を明らかにしています。

1980年代初頭、アムステルダムの老舗ライブハウス Studio Paradiso のコンサートに頻繁に足を運んでいたオランダ人写真家 Max Natkiel（マックス・ナットキール）は、パンク、ニューウェイヴ、ロッカー、モッズ、ラスタファリアン、スクワッター、メタルやスキンヘッドなど、あらゆるサブカルチャーに遭遇しました。 やがて彼はカメラを持参することを決意し、出会った魅力的な人々のポートレートを撮り始めました。そのコレクションは最終的に 1000 枚を超えました。ここでは、1980 年から 1990 年までの 10 年間に彼が経験した純粋な若者文化の爆発と個性への激しい欲求を反映した、約 600 枚の白黒写真が紹介されています。